Začetki filma
| sekvence Ott`s sneeze 1894 |
William Kennedy-Laurie Dickson je izumil uporabno obliko filmskega traku, na katerem je sekvenca slik, kar je osnova fotografiranja in projekcije premikajočih slik. Celuloidnih kocke so bile tanko narezane, oznake rezanja pa so odstranili z ogretimi tlačnimi ploščami. Nato so filmski trak premazali z želatinasto emulzijo, ki je bila občutljiva na svetlobo. Leta 1893 je Thomas Edison svetu predstavil svoja dva izuma, ki sta bila osnovana na tej iznajdbi. Prvi je bil kinetograf, prvi fotoaparat s premikajočo sliko. Drugi je bil kinetoskop, omara v kateri se je predvajal Dicksonov filmski trak. Osvetljen je bil z bleščečo lučjo, videlo se ga je skozi povečevalno steklo. Kinetoskopi so bili opremljeni s 15-metrskimi filmskimi odseki, ki jih je Dickson fotografiral v Edisonovem studiu “Black Maria”. Te sekvence so zabeležile vsakodnevne dogodke (kot so Ott`s Sneeze, 1894), kot tudi zabavne dejavnosti (akrobatika, boks, glasbeniki).
| Primer kinetoskopa |
Kinetoskopi so se kmalu uspešno razširili v Evropo. Edison nikoli ni poskušal patentirati teh instrumentov na drugi strani Atlantika, saj so temeljili na prejšnjih eksperimentih in iznajdbah iz Velike Britanije in Evrope. To je omogočilo razvoj imitacij, kot so kamere, ki jih je izdelal Robert William Paul in njegov partner Birt Acres.
Paul je želel prikazovati gibljive slike občinstvu in ne samo posameznikom. Izumil je filmski projektor, s katerim je imel prvo predstavo v letu 1895. V Franciji sta Auguste in Louis Lumière približno istega časa izumila kinematograf, prenosno napravo, ki je imela tri v enem: kamero, tiskalnik in projektor. Konec leta 1895 je Antoine Lumière v Parizu začel prikazovati projicirane filme pred javnostjo (morali so plačati karte), s čimer se je začela splošna pretvorba medija v projekcijo.
Hitro so postali evropski glavni producenti, saj so imeli aktualne vsebine, kot so Workers Leaving the Lumière Factory in komične vinjete, kot so Sprinkler Sprinkled (oba v letu 1895). Prvo javno predstavitev filma v Evropi sta predstavila Max in Emil Skladanowsky iz Berlina. Projektiran z njihovim aparatom “Bioscop”, od 1. do 31. novembra 1895. 1895 je Lauste v Ameriki zasnoval eidoloskop za družino Latham. Prvi javni prikaz filma je bil posledica Jean Aiméja “Acme” Le Roy, francoskega fotografa. 5. februarja 1894, je predstavil svoj “Čudovit kinematograf” skupini dvajsetih poslovnih ljudi v New Yorku.
| Slika kinematografa in upravitelja |
Filmi so bili lahko dolgi manj kot minuto. Običajno so predstavljali eno samo prizorišče – avtentično ali prirejeno, iz vsakdanjega življenja, javnega ali športnega dogodka. Kinematografske tehnike je bilo zelo malo, ali pa nič. Ni bilo urejanja, običajno so delali brez premikanja kamere, delali so na ravnih, scenskih kompozicijah. Toda novost realistično gibljivih fotografij je bila dovolj, da se je filmska industrija pred koncem stoletja razširila po državah po vsem svetu.
Že od začetka so izumitelji in producenti želeli združiti premikanje slik in sinhron zvok, vendar do konca leta 1920 še ni bilo nobene praktične metode, ki bi to omogočala. Tako so bili v prvih tridesetih letih njihove zgodovine filmi bolj ali manj nemi, čeprav so jih občasno spremljali živi glasbeniki in včasih zvočni učinki, dialog in pripoved. Pariški čarovnik Georges Méliès je leta 1896 začel snemati in prikazovati filme. Imel je filme fantazije in bizarnosti, kamor spada tudi Izlet na Luno (1902), najverjetneje prvi film, ki je prikazoval potovanje v vesolje. Uveljavil je številne temeljne tehnike posebnih učinkov, ki so se v večini dvajsetega stoletja uporabljali v filmih. To je pokazalo, da je film imel izjemno moč, da izkrivlja vidno realnost namesto samega snemanja realnosti. Poleg tega je pripeljal do priprave večscenskih pripovedi, ki so trajale tudi do petnajst minut. Edwin S. Porter je močno pripomogel pri prefinjenosti urejevanja filmov v delih, kot so “Življenje ameriškega gasilca” in prvi vestern film , Rop vlaka (oba leta 1903). Porter je ugotovil, da je osnovna enota strukture v filmu posnetek in ne scena (osnovna enota strukture v igri). Ti so pripomogli k temu, da je medij spodbudil
| Slika iz filma Izlet na luno, v filmu pa je bila scena obrezana in prilagojena, da se je občinstvo videlo le prvotno scenografijo |
povečanje »nickeldeonov«, prvih stalnih kinodvoran (najstarejši kino na svetu, ki je še danes v uporabi, je Pionirski kino, ki se je odprl kot Helios 26. septembra 1909 v Stettinu v Nemčiji, ki je zdaj Szczecin, Poljska. Do leta 1908 je bilo samo v ZDA 10.000. Predhodno anarhična industrija je vse bolj postala pomembna dejavnost, kar je spodbudilo konsolidacijo.
Podjetje French Pathé Frères je s pomočjo metod, kot so nadzor nad ključnimi patenti in lastništvo gledališč, doseglo prevladujoč položaj po vsem svetu. V Združenih državah je Edison vodil ustanovitev podjetja Motion Picture Patents Company, ki je tam doseglo kratek virtualni monopol, z uporabo agresivne poslovne taktike, včasih pa tudi nasilnega ustrahovanja proti neodvisnim konkurentom.Standardna dolžina filma je skozi prvo desetletje stoletja ostala približno deset do petnajst minut, zaradi predpostavk proizvajalcev o zmožnostih pozornosti njihovih strank (delavski razred).
Avstralski film The Story of the Kelly Gang se na splošno šteje za prvi dolg film na svetu (80minut), leta 1906. Dan Barry in Charles Tait iz Melbourne sta leta 1906 izdelala in režirala “Zgodba o Kellyju Gangu”. Šele leta 1911 so druge države (Avstralija pa že prej), začele izdelovati celovečerne filme – v tem času je bilo v Avstraliji izdelanih 16 celovečernih celovečernih filmov. Kmalu je Evropa ustvarila ekstravagance, ki so bile še daljše. Z mednarodnimi uspešnicami, kot sta Queen Elizabeth (Francija, 1912), Quo Vadis? (Italija, 1913) in Cabiria (Italija, 1914), je celovečerni film začel zamenjevati kratko obliko kinematografije.
| Izsek iz filma The Story of the Kelly Gang (1906) |
Vodja tega trenda v Ameriki je bil direktor D.W. Griffith (Rojstvo naroda (1915) in Intoleranca (1916)). Razvijali so kode urejanja in vizualnega pripovedovanja zgodb, ki ostajajo osnova filmske slovnice. Ta film je bil prav tako morda prvi, ki je vzpodbudil rasno polemiko.
Skupaj z razcvetom literarnih adaptacij, so ti trendi začeli ustvarjati filme kot spoštljivo preusmeritev za srednji razred. Pridobili so prepoznavnost umetniške oblike v nastajajoči kulturi dvajsetega stoletja. V Franciji so bratje Lafitte leta 1907 ustvarili tako imenovane Films d’art. V kinodvorane so želeli pritegniti višje sloje družbe. Izobraženi razredi so menili, da je film samo za neizobražene ljudi, sami pa so preferirali tradicionalno gledališče. Filmi d’art so bili gledališke igre, posnete s kamero in predvajane v filmskih gledališčih. Ljudem to ni bilo všeč in “eksperiment” je pokazal, da ima film lasten izrazni jezik, ki je drugačen od gledališča.
Do te točke so bili kinematografi Francije in Italije najbolj globalno priljubljeni in močni. Toda Združene države so hitro pridobivale, ko je prva svetovna vojna (1914-1918) povzročila uničujočo prekinitev evropske filmske industrije. Ameriška industrija (“Hollywood”), ki je postala znana po svojem novem geografskem središču v Kaliforniji, je pridobila položaj, ki ga je od takrat tudi obdržala: filmska tovarna za svet, ki izvaža svoje izdelke v večino držav na svetu (ima tudi nadzor nad trgom v mnogih od njih). Do 20-ih let 20. stoletja je ZDA dosegla tisto, kar je še vedno njena največja produkcija, saj proizvede povprečno 800 igranih filmov letno, oziroma 82% celotne globalne vsote. Komedije Charlieja Chaplina in Busterja Keatona, na primer preklete avanture Douglasa Fairbanksa in romance Clare Bow, so razlog, da so obraze teh igralcev poznali na obeh kontinentih. Zahodna vizualna norma, ki je kasneje postala klasična montaža kontinuitete, je bila razvita in izvožena – čeprav je bilo njeno sprejetje počasnejše v nekaterih državah, kot je Japonska.
Ta razvoj je bil sodoben z razvojem studijskega sistema in njegove največje metode oglaševanja, zvezdnega sistema, ki je zaznamoval ameriški film v prihodnjih desetletjih in zagotovil modele za druge filmske industrije. Učinkovit nadzor od zgoraj navzdol (nad vsemi stopnjami njihovega izdelka), je omogočil novo in naraščajočo raven razkošne proizvodnje in tehnične prefinjenosti. Obenem pa je bil ta sistem komercialen, osredotočal se je na glamurozen pobeg, kar je do neke stopnje omejevalo ambicijo. Primer tega je kratka, a legendarna kariera režiranja Ericha von Stroheimha v 20-ih letih.
| Charlie Chaplin v filmu His new job |
Tudi v tem času prevlada glavne hollywoodske zabave ni bila tako močna, alternative so bile še vedno široko vidne in vplivne. Leta 1915, ko je bila končana prepoved uvoza v Franciji, je Hollywood navdihnilo rojstvo kinematografske avantgarde. Skupina filmskih ustvarjalcev je začela eksperimentirati z optičnimi in slikovnimi učinki ter ritmičnim urejanjem. Trend je postal znan kot francoski kino impresionist (French Impressionist Cinema). Nemčija je bila najmočnejši ameriški konkurent. Najbolj značilen prispevek so bili temni, halucinacijski svetovi nemškega ekspresionizma, ki je napeljeval moč antirealistične predstavitve, ki so na zaslonu postavili notranja stanja uma, ki je močno vplival na pojav žanra grozljivke.
Novorojeni sovjetski kinematograf je bil najbolj radikalno inovativen. Umetnost urejanja se je zelo razvijala. Sergej Eisenstein je izpopolnil tehniko dialektičnege ali intelektualne montaže, ki je poskušala, da bi nelinearno izrazil ideje in slike in tako povzročil čustvene in intelektualne reakcije v gledalcu.
| Izsek iz filma Raja Harishchandra |
Medtem je v Indiji Dadasaheb Phalke naredil prvi dolgi tihi film. Film (Raja Harishchandra (1913), ki je postavil temelje za serijo časovnih filmov. Do naslednjega desetletja je proizvodnja Indijskega kinematografa v povprečju znašala 27 filmov na leto.
Kulturne avantgarde številnih držav so delale s poskusnimi filmi, večinoma kratkimi, ki so popolnoma opustile linearno pripovedovanje in sprejele abstrakcijo, čisto estetiko in iracionalno podzavest, najbolj znano v zgodnjem delu španskega nadrealista Luis Buñuela. To desetletje je zaznamovalo prvo resno razdelitev med mainstream, “popularnim” filmom in “art” filmom. Toda tudi znotraj glavnega toka je bila izpopolnitev hitra, pri čemer je tihi film estetski vrh. Možnosti kinematografije so se povečevale, saj so kamere postale bolj mobilne, filmske zaloge pa bolj občutljive in vsestranske. Igranje na platnu je postalo umetnost. Ker se je povečala vizualna zgovornost, je zmanjkalo odvisnosti od interaktivnih besedil; občasni film, kot je F.W. Murnaujev The Last Laugh (Nemčija, 1926), se jim je celo izognil. Paradoksalno se je v tem času obdobje tihe kinematografije končalo.
Eksperimentiranje s tehnologijo zvočnega filma (za snemanje in predvajanje) je bilo konstantno v tihi dobi, vendar je bilo težko uskladiti natančne sinhronizacije in zadostno ojačanje. Leta 1926 je hollywoodski studio Warner Bros predstavil sistem “Vitaphone”, s katerim so izdelovali kratke filme o zabavnih prireditvah v živo, ter dodali posnete zvočne efekte. Konec leta 1927 je Warners izdal The Jazz Singer, ki je bil večinoma tih, vendar je vseboval prvi sinhronizirani dialog (in petje) v celovečernem filmu. Bil je velik uspeh, kot je bil tudi ‘The Lights of New York (1928), prvi celotno zvočno sinhroniziran film. Zgodnje procese zvoka na disku, kot je Vitafon, so kmalu nadomeščali zvočni filmi, kot so Fox Movietone, DeForest Phonofilm in RCA Photophone.
| Izsek iz filma The Jazz Singer (1927) |
Do konca leta 1929 je bil Hollywood skoraj z več konkurenčnimi zvočnimi sistemi (ki so jih kmalu standardizirali). Skupni prehod je bil precej počasnejši v preostalem delu sveta, predvsem zaradi gospodarskih razlogov. Kulturni razlogi so bili dejavniki v državah, kot sta Kitajska in Japonska, kjer so tihi filmi uspešno soobstajali z zvokom do 1930. To je ustvarilo nekaj najbolj cenjenih klasikov v teh državah, kot so “The Goddess” Wu Yongganga (Kitajska, 1934 ) in film “Jaz sem bil rojen, toda…” (I was born, but…) Yasujira Ozuja (Japonska, 1932).
| Izsek iz filma I was born, but… (1932) |
Zvok je v številnih državah še bolj zaostril prevlado glavnih studiev: ogromen strošek prehoda je premagal manjše konkurente, medtem ko je novost zvoka privabila veliko večje občinstvo za tiste producente, ki so ostali. Nekateri zgodovinarji menijo, da je zvok rešil hollywoodski studijski sistem v ZDA, med obdobjem velike depresije. Tako se je začela “Zlata doba Hollywooda”, ki se nanaša na obdobje od uvajanja zvoka do poznih 1940-ih. Ameriška kinematografija je v tem obdobju dosegla vrhunec učinkovito izdelanega glamurja in globalne privlačnosti. Najpomembnejši igralci tega obdobja so zdaj klasične filmske zvezde, kot so Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart in Shirley Temple.
Kreativno pa je bil hitri prehod težek. Konec 20-ih je bilo polno statičnih govorečih filmov (eng. talkies) saj so se umetniki pred in za kamero borili s strogimi omejitvami opreme za zgodnjo zvočno opremo in lastno negotovostjo, kako uporabiti nov medij. V kinematografijo so bili predstavljeni številni odrski izvajalci, režiserji in pisci, saj so proizvajalci iskali osebje, ki je bilo izkušeno v pripovedovanju zgodb, ki so temeljile na dialogu. Mnogi večji ustvarjalci in igralci tihega filma se niso mogli prilagoditi. To obdobje je bilo kratkoročno. 1929 je bilo prelomno leto: William Wellman z Chinatown Nights in The Man I Love, Rouben Mamoulian z Applaus, Alfred Hitchcock z Blackmail (prvi britanski z zvokom), so bili med direktorji, ki so prinesli večjo fluidnost na govoreče filme. Pri tem sta oba imela korist, prav tako pa sta pospešila tehnični napredek mikrofonov in kamer ter zmožnost urejanja in post-sinhroniziranja zvoka (namesto zapisovanja celotnega zvoka neposredno ob snemanju).
| Promocijski plakat za The broadway melody koreografa in režiserja Busbya Berkeleya |
Zvočni filmi so bolj kot nemi poudarili in obogatili različne zvrsti filma. Rodil se je glasbeni film. Prvi klasični hollywoodski mjuzikl je bil The Broadway Melody (1929). Koreograf / režiser Busby Berkeley je bil prvi pomemben ustvarjalec (42. ulica, 1933, in Dames, 1934). V Franciji je avangardni režiser René Clair nadrealistično uporabljal pesmi in ples v komedijah, kot so Pod strehami Pariza (1930) in Le Million (1931). Trend je najbolj uspeval v Indiji, kjer je vpliv tradicionalne drame plesa in pesmi v državi naredil mjuzikle v osnovno obliko večine zvočnih filmov. Kljub temu pa niso bili na Zahodu opaženi še desetletja. Postali so svetovno najbolj ustvarjalni (Blooywood). V tem času so postali priljubljeni ameriški filmi gangsterjev, kot so Little Caesar in Wellmanov The Public Enemy (oba leta 1931). Dialog je zdaj prevladoval nad “slapstickom” v hollywoodskih komedijah: hitremu, duhovitem glasniku The Front Page (1931) ali It Happened One Night (1934), Mae West (She Done Him Wrong, 1933) ter anarhično nesmiselno govorjenje bratov Marx (Duck Soup, 1933). 1939, glavno leto za ameriško kinematografijo, je prinesel filme, kot so Čarovnik iz Oza in Gone with the Wind.
1940
| Izsek iz filma Shadow of a doubt (1943) |
Želja po vojni propagandi je ustvarila renesanso v filmski industriji v Veliki Britaniji, z realnimi vojnimi dramami, kot so Forty-Ninth Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944), ter film In Which We Serve (1942) Noela Cowarda in Davida Leana. Ti so obstajali poleg bolj očarljivih filmov, kot so Powellov in Pressburgerjev The Life and Death of Colonel Blimp (1943), The Canterbury Tale (1944) in The Matter of Life and Death (1946) ter film Laurenca Olivierja, Henry V, iz leta 1944. Začetek sodelovanja ZDA v drugi svetovni vojni je prinesel tudi širjenje filmov kot patriotizma in propagande. Ameriški propagandni filmi vključujejo Desperate Journey, Mrs. Miniver, Forever in and a Day in Objective Burma. Pomembni ameriški filmi iz vojnih let vključujejo anti-nacističen Watch on the Rhine (1943), ki ga je napisal Dashiell Hammett; Shadow of a Doubt (1943), katerega je režiral Hitchcock, scenarij pa je napisal Thornton Wilder; George M. Cohan, Yankee Doodle Dandy (1942), v katerem je igral James Cagney, ter izjemno priljubljena Casablanca s Humphreyjem Bogartom. Bogart je igral v 36 filmih med letoma 1934 in 1942, med njimi v filmu Johna Hustona The Maltese Falcon (1941), enega od prvih filmov, ki se zdaj šteje za klasični filmski noir.
Omejitve v vojni so prinesle zanimanja za bolj domišljijske tematike. Ti so vključevali britanske melodrame Gainsborough (vključno z The Man in Gray in The Wicked Lady), kot tudi filme, kot je Here Comes Mr. Jordan, Heaven Can Wait, I Married a Witch in Blithe Spirit. Val Lewton je ustvaril vrsto atmosferskih in vplivnih majhnih proračunskih grozljivih filmov. Nekateri od bolj znanih primerov so Cat People, Isle of the Dead (film) in The Body Snatcher.
| Izsek iz filma It`s a wonderful life |
Leta 1946 je RKO Radio izdal It’s a Wonderful Life, ki ga je režiral Frank Capra. Vojaki, ki so se vračali iz vojne, naj bi dali navdih za filme kot so The Best Years of Our Lives, mnogi v filmski industriji pa so služili tudi v vojni. Izkušnje Samuela Fullerja v drugi svetovni vojni so vplivale na njegove večinoma avtobiografske filme poznejših desetletij, kot je The Big Red One. Igralski studio(The Actor’s Studio) so oktobra 1947 ustanovili Elia Kazan, Robert Lewis in Cheryl Crawford, istega leta pa je Oskar Fischinger snemal Motion Painting No. 1. Leta 1943 je bil v Italiji prikazan Ossessione, ki je predstavljal začetek italijanskega neorealizma. Med večjimi filmi te vrste v 1940-ih so bili Bicycle Thieves, Rome, Open City, in La Terra Trema. Leta 1952 je bil prikazan Umberto D, ki velja za zadnji film te vrste. Konec 1940-ih so v Britaniji v studijih Ealing začeli s svojimi serijami slavnih komedij, med njimi Whisky Galore !, Passport to Pimlico, Kind Hearts in Coronets ter The Man in the White Suit, Carol Reed pa je režiral svoje vplivne trilerje Odd Man Out, The Fallen Idol in The Third Man. David Lean je hitro postal velesila v svetovni kinematografiji z Brief Encounter in njegovimi prilagoditvami Dickensa Great Expectations in Oliver Twistom. Michael Powell in Emeric Pressburger sta najbolje izkoristila svoje ustvarjalno partnerstvo s filmi, kot sta Black Narcissus in The Red Shoes.
1950
Odbor za neameriške dejavnosti je v zgodnjih petdesetih letih raziskoval Hollywood. Na zaslišanju, je prišlo do črne liste številnih igralcev, pisateljev in režiserjev, med njimi Chayefskyja, Charlieja Chaplina in Daltona Trumba, mnogi pa so pobegnili v Evropo, zlasti v Združeno kraljestvo. V času hladne vojne se je zeitgeist prevedel v vrsto skoraj paranoje, ki se kaže v temah, kot so invazija vojsk zlih vesoljcev (Invazija telesa Snatchers, The War of the Worlds); In komunistični peti kolumnisti, (The Manchurian Candidate). V neposrednih povojnih letih je kinematografsko industrijo ogrožala tudi televizija, vse večja priljubljenost medija pa je pomenila, da bodo nekatera filmska gledališča bankrotirala in se zaprla. Konec “studijskega sistema” je spodbudil filme, kot so Sunset Boulevard (1950) in The Bad and the Beautiful (1952).
| Izsek iz filma Sunset Boulevard (1950) |
Leta 1950 so Lettristovi avantgardisti povzročili nemire na filmskem festivalu v Cannesu, ko je bil prikazan Isidore Isou’s Treatise on Slime and Eternity. Po kritiki Charlieja Chaplina in razhoda z gibanjem, so Ultra-Lettri nadaljevali z nemiri, ko so pokazali svoje nove hipergrafske tehnike. Najbolj zloglasni film je Guy Debord’s Bombs in Favor of DeSade iz 1952. Zaradi naraščajočega števila zaprtih gledališč, so studii in podjetja našli nove in inovativne načine, s katerimi bi občinstvo vrnili nazaj. Ti so vključevali poskuse razširjanja svoje privlačnosti z novimi formati zaslona. Cinemaskop je bil objavljen leta 1953 z The Robe. VistaVision, Cinerama, so imeli marketinški princip “večje je boljše”. To je povzročilo oživitev epskih filmov, ki so izkoristili nove oblike velikega zaslona. Nekateri najuspešnejši primeri teh so: The Ten Commandments (1956), The Vikings (1958), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960) in El Cid (1961). Razširile so se atrakcije, da bi privabili gledalce. Navdušenost za 3-D film je trajala le dve leti, (1952-1954), pomagala je prodati House of Wax in Creature from the Black Lagoon. Producent William Castle je posnel filme z naslovom “Emergo” in “Percepto”, ki sta prva od niza trikov, ki sta v 60-ih letih ostala priljubljena marketinška orodja za Castle in druge.
V ZDA so se v hollywoodskih filmih, kot so Blackboard Jungle (1955), On The Waterfront (1954), ter Chayefskyjev film Marty and Reginald Rose’s 12 Angry Men (1957), odražali težnjo po dvomu v ustanove, družbene norme in zgodnjemga aktivizma gibanja za državljanske pravice v ZDA. Disneyjeva Sneguljčica je bila izdana 29. januarja 1959 (The Walt Disney Company), po skoraj desetletju proizvodnje. Po celem svetu je petdeseta leta zaznamovalo zelo produktivno obdobje za indijski film, kjer je bilo ustvarjenih več kot 200 filmov. Indijski filmi so postali bolj prepoznavni tudi s filmi, kot je Pather Panchali (1955), direktorja Satyajita Raya. Televizija je resno tekmovala s filmi, prikazovanimi v kinih, vendar je dosegla nasprotni učinek: spodbujala je več obiskovanja predstav.
1960
V šestdesetih letih se je studievski sistem v Hollywoodu zmanjšal, ker so se številni filmi zdaj snemali na lokacijah v drugih državah ali pa so uporabljali studie v tujini, kot sta Pinewood v Angliji in Cinecittà v Rimu. “Hollywoodski” filmi so bili še vedno v glavnem namenjeni družinam, pogosto pa so bili bolj staromodni filmi, ki so ustvarili največje uspehe studiev. Produkcije, kot so Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) in The Sound of Music (1965) so bili med največjimi denarnimi uspešnicami desetletja. Rast neodvisnih producentov in produkcijskih podjetij, kot tudi večanje moči individualnih igralcev je prav tako prispevala k upadu tradicionalne hollywoodske studijske produkcije. V tem času se je povečalo zavedanje tujih jezikov v filmu. V poznih petdesetih in šestdesetih letih so francoski direktorji New Wave, kot sta François Truffaut in Jean-Luc Godard, producirali filme, kot so Les couatre centre coups in Jules et Jim, ki so kršili pravila hollywoodske kinematografske pripovedne strukture. Občinstvo se je zavedalo tudi italijanskih filmov, kot so La Dolce Vita Federica Fellini in drame švedske Ingmar Bergman.
V Britaniji je “Free Cinema” od Lindsay Anderson, Tonyja Richardsona in drugih, vodila do skupine realističnih in inovativnih dram, vključno s Saturday Night in Sunday Morning, A Kind of Loving in This Sporting Life. Drugi britanski filmi, kot sta Repulsion, Darling, Alfie, Blowup in Georgy Girl (vse v letih 1965-1966), so pripomogli k zmanjšanju prepovedi spolnosti in golote na zaslonu, medtem ko so se spolni odnosi in nasilje filmov Jamesa Bonda začeli z Dr.No v 1962. Serija je postala priljubljena po vsem svetu. V šestdesetih letih je Ousmane Sembène produciral nekaj francoskih in volofskih filmov in postal oče afriškega filma. V Latinski Ameriki so mnogi ustvarjalci filma izpodbijli prevladujoč model “Hollywood”. Fernando Solanas in Octavio Gettino sta pozvala k politično angažiranemu tretjemu kinematografu (Third Cinema) v nasprotju s Hollywoodom in evropskim avtorskim filmom.
V dokumentarnih filmih v šestdesetih, so se pojavili direktni kino, gledališki slog filma, pa tudi pojav bolj odmevnih partizanskih filmov, kot so v letu prašiča o vojni v Vietnamu, ki jo je izvedel Emile de Antonio. Do konca šestdesetih let so hollywoodski producenti začeli ustvarjati bolj inovativne filme, kot so Bonnie in Clyde (1967), The Graduate (1967), Midnight Cowboy (1969) in The Wild Bunch (1969). Bonnie in Clyde se pogosto šteje za začetek tako imenovanega novega Hollywooda
1970
| Izsek iz filma Close encounters |
| Hitchcock v trailerju filma Psycho kaže na hišo Normana Batesa
|
“Nov Hollywood” in “post klasični kino” so izrazi, ki opisujejo obdobje po upadu studijskega sistema v 50-ih in 60-ih letih prejšnjega stoletja ter konec proizvodne kode. V sedemdesetih letih so filmski ustvarjalci vse pogosteje prikazovali eksplicitne spolne vsebine in kazali bojne prizore, ki so vključevali grafične slike krvavih smrti. “Post-klasični film” je izraz, ki se uporablja za opisovanje spreminjajočih se načinov pripovedovanja ustvarjalcev “Novega Hollywooda”. Nove metode drame in karakterizacije, ki so se odigrale ob pričakovanjih občinstva, pridobljenih v času klasičnega / zlatega obdobja: zgodba se lahko spremeni, zgodbe lahko povzročijo vznemirljive filmske preobrate na koncu, glavni liki se lahko obnašajo nemoralno in linije med antagonistom in protagonistom so lahko zamegljene. Začetke postklasičnega pripovedovanja je mogoče videti v noir filmih iz 1940-ih in 1950-ih v filmih, kot so Rebel Without a Cause (1955) in Hitchcockov Psycho. V sedemdesetih letih se je pojavila nova skupina ameriških filmskih ustvarjalcev, kot so Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas in Brian de Palma. To je sovpadlo s povečano priljubljenostjo auteur teorije v filmski literaturi in z mediji, ki so predpostavljali, da filmski režiserji v filmu izrazijo svojo osebno vizijo in ustvarjalne vpoglede. Razvoj auteurskega sloga filma je pomagal tem direktorjem dati večji nadzor nad njihovimi projekti, kot bi jih bilo mogoče v prejšnjih obdobjih. To je pripeljalo do nekaterih velikih kritičnih in komercialnih uspehov, kot so Coppolov The Godfather filmi, Spielberggova Jaws in Close Encounters of the Third Kind, in Star Wars Georgea Lucasa. Tudi to je povzročilo nekaj neuspehov, med njimi Petra Bogdanovichejeve At Long Last Love in dragi vestern Mihaela Cimina, Heaven’s Gate. Finančna katastrofa filma nebeška vrata, je zaznamovala konec vizionarskih “auteur” direktorjev “Novega Hollywooda”, ki so imeli neovirano ustvarjalno in finančno svobodo pri razvoju filmov. Vrhunski uspeh filmov v 70-ih “Jaws” in “Star Wars” so pripeljali do vzpona modernega “blockbusterja”. Hollywoodski studii so se vse bolj osredotočali na produkcijo manjšega števila zelo velikih proračunskih filmov z ogromnimi marketinškimi in promocijskimi kampanjami. Ta trend so zaznamovali komercialni uspehi slabih filmov, kot so The Poseidon Adventure in The Towering Inferno.
1980
| Izsek iz filma Raging bull (1981) z Robertom De Nirom |
V osemdesetih letih prejšnjega stoletja so gledalci filme vedno bolj začeli gledati doma, na svojih videorekorderjih. V zgodnjem delu tega desetletja so filmski studiji poskušali legalno prepovedati lastništvo videorekorderjev (kot kršitev avtorskih pravic), kar se je izkazalo za neuspešno. Sčasoma je prodaja in najem filmov za domače predvajanje postala pomembno drugo mesto za ogledovanje filmov in dodaten vir dohodka filmskih podjetij. Kombinacija Lucasa in Spielberga je v večini osemdesetih let prevladovala v Hollywoodskih filmih in povzročila veliko posnemanja. Dve nadaljevanji Star Wars, tri nadaljevanja Jaws in trije filmi Indiana Jonesa so pripomogli, da so gledalci take filme pričakovali veliko bolj, kot v prejšnjih časih. Lucas je ustanovil THX Ltd, delitev Lucasfilma leta 1982, medtem ko je Spielberg doživel enega od največjih uspehov desetletja s filmom E.T. istega leta. Ameriški neodvisni film se je v desetletju zelo boril, čeprav so Martinovi Scorsejevi filmi Raging Bull (1980), After Hours (1985) in The King of Comedy (1983) pomagali, da ga uveljavijo kot enega najbolj kritično uveljavljenih ameriških filmskih ustvarjalcev tega obdobja. Med letom 1983 je bila premiera filma Scarface, ki je bil zelo dobičkonosen in je privedel do velike slave vodilnega igralca Al Pacina.
| Izsek iz filma Chariots on fire (1981) |
Verjetno najuspešnejši komercialni film je bil leta 1989: Tim Burtonova različica kreacije Boba Kanea, Batmana, je presegla zabeležene blagajne. Jack Nicholson je demantiranega Jokerja prikazal tako dobro, da je zaslužil 60.000.000 dolarjev (največ denarja, ki ga je igralec kadarkoli naredil iz enega filma) in prinesel Timu Burtonu in Michaelu Keatonu veliko slavo. Britanski kinematograf je bil v začetku 80. let prejšnjega stoletja obogaten s prihodom podjetja Davida Puttnama, Goldcrest Films. Filmi Chariots of Fire, Gandhi, The Killing Fields in A Room with a View so privlačili povprečne gledalce, ki so jih večinski hollywoodski studii čedalje bolj ignorirali. Filmi iz sedemdesetih let so pomagali pri opredeljevanju sodobnih blockbuster filmov. Spremenil se je način, s katerim je “Hollywood” izdajal filme. Filmi so imeli premiere v širšem številu gledališč, čeprav imajo danes nekateri filmi še vedno premiero po poti omejenega sistema. Vzpon multiplex kinematografa ni omogočal prikaza manj popularnih filmov, temveč je preprosto omogočal, da so večji blockbusterji dobili večje število predvajanj. Vendar pa so filmi, ki so bili spregledani v kinematografih, dobivali vedno več drugih priložnosti pri domačih videih in kasneje DVD-jih.
1990
V začetku devetdesetih let je prišlo do razvoja komercialno uspešnega neodvisnega kina v ZDA. Čeprav so kinematografe vse bolj prevladovali filmi s posebnimi učinki, kot so Terminator 2: Judgment Day (1991) in Titanic (1997), so imeli neodvisni filmi, kot je Tarantinov film Reservoir Dogs (1992) komercialni uspeh tako v kinu in na domačem videu.
Večji studii so začeli ustvarjati lastne “neodvisne” produkcijske družbe za financiranje in proizvodnjo neodvisnih filmov. Eden od najuspešnejših neodvisnih družb devetdesetih let, Miramax Films, je kupil Disney eno leto pred izdajo Tarantinovega hita Pulp Fiction, leta 1994. Istega leta je bil začetek distribucije filmov in videa po spletu. Animirani filmi, usmerjeni v družinsko občinstvo, so znova postali priljubljeni, z Disneyjevo Beauty and the Beast, Aladdinom in The Lion King. Leta 1995 je bila producirana prva računalniško-animirana risanka Toy Story, ki so jo producirali pri Pixar Animation Studios, izdal pa jo je Disney. Po uspehu risanke Toy Story, se je Disney vrnil v tradicionalno animacijo in naredil še tri priljubljene filme: The Hunchback of Notre Dame leta 1996, Hercules leta 1997 in Mulan leta 1998. Leta 1999 je Disney izdal Tarzana, ki je uporabil CGI (computer generated imagery) tehniko renderiranja, ki se imenuje Deep Canvas. V poznih devetdesetih letih se je začel nov kinematografski prehod, od fizičnega filma do digitalne kinematografije. Medtem so DVD-ji postali novi standard za videoposnetke, ki so zamenjali VHS kasete .
2000
Dokumentarni film se je morda prvič pojavil tudi kot komercialni žanr, z uspehom filmov, kot so March of the Penguins in Bowling for Columbine Michaela Mooreja in Fahrenheit 9/11. Nova zvrst je bila ustvarjena z Kunertovim in Manesovim Voices of Iraq, ko je bilo v Iraku razdeljenih 150 poceni DV kamer, ki so navadne ljudi preoblikovali v sodelujoče filmske ustvarjalce. Uspeh Gladiatorja je vodil k oživitvi zanimanja za epski kino. Sistemi za domači kino so postali vse bolj prefinjeni. Trilogija Lord of the Rings je bila izdana na DVD-ju v gledališki različici in v posebni razširjeni različici, namenjeni zgolj gledalcem domače kinematografije. Prihodnost: Premagati težave pri digitalni distribuciji – večja kompresija, cenejša tehnologija. Varnost vsebine. Iztek avtorskih pravic, uveljavljanje avtorskih pravic.
Ena pomembnejših novosti v začetku 21. stoletja je razvoj sistemov, ki navadnim ljudem olajšajo pisanje, snemanje, urejanje in distribucijo lastnih filmov brez velikih aparatov filmske industrije. Ta pojav in njene posledice so opisane v teoriji Chrisa Andersona, The Long Tail.